Аннотация: Целью данной статьи является анализ картины П. И. Соколова (1753–1791) «Меркурий и Аргус» (1776 г.) в контексте художественных предпочтений эпохи. Задачи исследования: проанализировать подготовительные рисунки и картину; изучить архивные источники, рапорты художника; выявить процесс работы над картиной; обозначить отражение в картине эстетических идеалов эпохи и восприятие современниками. Объектом нашего внимания станет художественный процесс создания во второй половине XVIII в. исторической картины на примере произведения П. И. Соколова «Меркурий и Аргус». Предметом исследования является роль набросков, зарисовок с натуры, эскиза композиции в работе П. И. Соколова над картиной «Меркурий и Аргус». Автор рассматривает приемы изобразительной техники, характер образно-пластического языка, подготовительный графический материал, выявляя процесс работы над картиной, основывающийся на академической системе образования. Приводя цитаты из писем, рапортов и сочинений второй половины XVIII в., автор анализирует, что было характерно для искусства исследуемого периода, какие задачи ставил для себя художник, какие условия были необходимы для выразительности визуального образа и идеи картины, а также достижения ее положительной оценки современниками. В ходе изучения картины, подготовительных рисунков, а также рапортов П. И. Соколова были применены следующие методы: формальный, формально-стилистический, искусствоведческий анализ. Автор приходит к выводу, что работа над картиной на историческую тему во второй половине XVIII в. включала в себя большой планомерный творческий процесс, диктуемый академической системой образования в Императорской академии художеств. Анализ картины, подготовительных рисунков и эскиза композиции показал, что выполнение рисунков с натуры, зарисовок отдельных частей и фрагментов будущей композиции, стали основой последующего поиска лучшего образа. Историческая живопись второй половины XVIII в. отражала эстетические воззрения и идеалы эпохи, являясь художественным воплощением идей теоретических трактатов и сочинений, направленных на совершенствование изобразительного образа. Новизна исследования заключается в рассмотрении картины не только как части художественного наследия мастера, но и как отражение академической системы образования в Императорской академии художеств второй половины XVIII в. и эстетики просветительского классицизма.

Ключевые слова: историческая живопись, искусство XVIII века, академик исторической живописи, Петр Иванович Соколов, Императорская академия художеств, классицизм, подготовительный рисунок, рисунок с натуры, живопись, графика

Abstract: Purpose of this article is analysis of painting by P. I. Sokolov (1753-1791) «Mercury and Argus» (1776) in context preferences of era. Objectives of study: analyze preparatory drawings and picture; study archival sources, artist reports; reveal process of painting; represent aesthetic ideals of epoch and perception of personality. Our focus will be on artistic process of creation historical picture in second half of XVIII century on example of work by P. I. Sokolov «Mercury and Argus». Research subject is role of sketches from nature, sketch composition in work of P. I. Sokolov on picture «Mercury and Argus». Author considers of visual technique, graphic-plastic composition, preparatory graphic, identifying process of working on picture based on academic education system. Citing quotes from letters, reports and writings of second half of XVIII century author analyses what was typical for art of period under study, what tasks artist set for himself, what conditions were necessary for expressiveness of visual image and idea of picture as well as her positive evaluation by her contemporaries. During study were applied: formal, formal-stylistic, art criticism analysis. Author comes to conclusion that work on historical painting in second half of XVIII century included a large systematic creative process dictated by academic education system at Imperial Academy of Arts. Analysis showed that execution of sketches and drawings from nature became basis for subsequent search for better image. Historical painting of second half of XVIII century reflected aesthetic views and ideals of era, being an artistic embodiment of ideas of theoretical treatises aimed at improving visual image. Novelty of research lies in considering painting not only as part of artistic heritage, but also as a reflection of academic education system at Imperial Academy of Arts in second half of XVIII century and aesthetics of educational classicism.

Keywords: painting, life drawing, classicism, preparatory drawing, The Imperial Academy of arts, academician of historical painting, Petr Ivanovich Sokolov, art of XVIII century, historical painting, graphics

Аннотация: Предметом исследования предлагаемой статьи являются ранние пленэрные работы немецкой художницы-экспрессиониста Габриэле Мюнтер, впоследствии - участницы художественного объединения "Синий всадник", ученицы и подруги Василия Кандинского. Авторы статьи ставят целью рассмотреть и ввести в научный оборот ряд этюдов Мюнтер, созданных ей в период летних выездов на пленэр в 1902-1903 гг. в альпийские города Кохель и Кальмюнц с мюнхенской художественной школой "Фаланга", возглавляемой Кандинским. В статье также рассматриваются живописные пленэрные работы Кандинского, созданные им в те же годы там же, в Баварии - преимущественно пейзажи и этюды фигур в пейзаже. Авторы исследования видят своей задачей проследить влияние художественной манеры Кандинского и его роли как учителя на формирование Мюнтер-живописца.  Методология исследования включает в себя формально-стилистический, сравнительный методы искусствоведческого анализа, а также комплексный историко-биографический подход. Актуальность исследования обусловлена его научной новизной: авторы статьи впервые в русскоязычной искусствоведческой литературе описывают до-экспрессионистские произведения Мюнтер периода совместных пленэров с Кандинским, прослеживают становление её художественного видения и живописной манеры, влияние на её формирование Кандинского. Развитие импрессионистической техники, общей у Мюнтер и Кандинского в начале 1900-х гг., по мнению авторов статьи, сочетается с индивидуальными поисками выразительности формы и цвета. Первым опытам пленэрной масляной живописи в особой "шпатель-технике" под руководством Кандинского сопутствуют успешные поиски Мюнтер в области графики, освоение техники печати цветной гравюры на дереве. Авторы статьи приходят к выводу, что на формирование оригинальной манеры Мюнтер в равной степени оказали влияние как живописное раскрепощение благодаря этюдной практике маслом, так и собственные опыты в рисунке и гравюре.

Ключевые слова: Габриэле Мюнтер, Василий Кандинский, графика, живопись, ксилография, Синий всадник, пейзаж, экспрессионизм, импрессионизм, этюд

Abstract: The subject of the study of the proposed article is the early plein-air works of the German expressionist artist Gabriele Munter, later a member of the Blue Horseman art association, a student and friend of Vasily Kandinsky. The authors of the article aim to review and introduce into scientific circulation a number of Munter's sketches created by her during summer trips to the plein air in 1902-1903 to the Alpine towns of Kochel and Kalmunz with the Munich art school "Phalanx", headed by Kandinsky. The article also examines the picturesque plein-air works by Kandinsky, created by him in the same years there, in Bavaria - mainly landscapes and sketches of figures in the landscape. The authors of the study see as their task to trace the influence of Kandinsky's artistic manner and his role as a teacher on the formation of a Munter painter.  The research methodology includes formal stylistic, comparative methods of art criticism analysis, as well as a comprehensive historical and biographical approach. The relevance of the study is due to its scientific novelty: the authors of the article for the first time in Russian-language art history literature describe the pre-expressionist works of Munter during the period of joint plein-airs with Kandinsky, trace the formation of her artistic vision and picturesque manner, the influence of Kandinsky on her formation. The development of the impressionistic technique common to Munter and Kandinsky in the early 1900s, according to the authors of the article, is combined with individual searches for expressiveness of form and color. The first experiments of plein-air oil painting in a special "spatula technique" under the guidance of Kandinsky were accompanied by the successful search for Munter in the field of graphics, mastering the technique of printing color woodcuts. The authors of the article come to the conclusion that the formation of the original manner of Munter was equally influenced by both pictorial emancipation through sketching practice in oil, as well as their own experiences in drawing and engraving.

Keywords: study, impressionism, expressionism, landscape, The Blue Rider, woodblock print, graphics, painting, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является изучение творчества известного китайского мастера народных ремесел Ку Шулань (1920-2004), которая демонстрирует тенденции современного развития китайского народного искусства вырезания из бумаги (цзяньчжи). Мастер является автором уникальной техники вырезания из бумаги, основанной на традиционной технологии создания изображений из бумаги. Особое внимание в исследовании уделяется анализу коллажной техники Ку Шулань, выявлению ее творческого метода, особенностей технологического процесса, формально-стилевого и образно-символического наполнения вырезанных картин. Важное место уделяется тесной взаимосвязи жизненного пути художницы и создаваемых ею образов. В работе выполнен анализ одной из самых известных работ Ку Шулань «Богиня вырезания из бумаги», который демонстрирует характерные черты ее авторского стиля. Ключевыми методами, применяемыми в данном исследовании, стали историко-культурный, историко-сравнительный и историко-биографический, позволившие показать творчество Ку Шулань в контексте традиционного искусства цзяньчжи. Также для исследования творческого метода Ку Шулань и выявления образно-символической специфики рассматриваемой работы применялись формально-стилевой и семиотический анализ. Новизна исследования заключается в том, что проведен детальный анализ технологического процесса создания произведений по методу Ку Шулань, вскрывающий специфику ее работы с техникой цзяньчжи и сам творческий метод. Выявлено образное и семиотическое пространство работы «Богиня вырезания из бумаги». В работе проясняется символическое значение китайской вырезки из бумаги, отражающее широту и глубину традиционной китайской культуры. Ку Шулань на основе традиционной техники вырезания из бумаги создала свою технологию - добавила коллаж, вырезание, склеивание и подкладку, объемность и многоуровневость композиции, обогатила цветовую палитру открыв тем самым новые возможности для развития искусства цзяньчжи. Установлена прямая взаимосвязь появления буддийской символики в работах Ку Шулань религиозными воззрениями. Основным выводом проведенного исследования является то, что в контексте современной глобализации искусство вырезания из бумаги Ку Шулань выступает в качестве богатого источника идей по сохранению, развитию и популяризации народного искусства цзяньчжи как в самом Китае, так и в мире.

Ключевые слова: Ку Шулань, творческий метод Ку-Шулань, вырезание из бумаги, цзяньчжи, традиционное искусство, коллаж, китайская буддийская символика, богиня цзяньчжи, цвет в цзяньчжи, орнамент в цзяньчжи

Abstract: The subject of this article is the study of the work of the famous Chinese master of folk crafts Ku Shulan (1920-2004), which demonstrates the trends in the modern development of the Chinese folk art of paper cutting (jianzhi). Particular attention is paid to the analysis of the collage technique of Ku Shulan, the identification of its creative method, the features of the technological process, the formal-stylistic and figurative-symbolic content of the carved paintings. The paper analyzes one of the most famous works of Qu Shulan "The Goddess of Paper Cutting", which demonstrates the characteristic features of her author's style. The key methods used in this study are historical-cultural, historical-comparative, and historical-biographical, which made it possible to show the work of Ku Shulan in the context of traditional jianzhi art. Also, to study the creative method of Ku Shulan and identify the figurative and symbolic specificity of the work under consideration, formal-stylistic and semiotic analysis was used. The novelty of the research lies in the fact that a detailed analysis of the technological process of creating works according to the method of Ku Shulan is carried out, revealing the specifics of her work with the jianzhi technique and the creative method itself. On the basis of the traditional technique of paper cutting, Ku Shulan created her own technology - she added collage, cutting, gluing and lining, thereby opening up new opportunities for the development of the art of jianzhi. The main conclusion of the study is that in the context of modern globalization, the art of paper cutting by Ku Shulan acts as a rich source of ideas for the preservation, development and popularization of Jianzhi folk art both in China and in the world.

Keywords: color in jianzhi, Goddess Jianzhi, Chinese Buddhist Symbolism, collage, traditional art, paper cutting, jianzhi, ornament in jianzhi, creative method of Ku Shulan, Ku Shulan

Аннотация: В данной работе основное внимание уделяется изучению воздействия русского реализма на китайское изобразительное искусство. Предметом исследования является то, как китайские художники адаптировали и переосмыслили эстетические концепции русского реализма в своих работах. Особенно интересен процесс взаимного обогащения культур через художественные практики, который не только обновил традиционное китайское искусство, но и внес новые элементы в понимание реализма. Автор подробно анализирует, как социальная критика и гуманистические идеалы русского реализма нашли свое отражение в китайском искусстве, освещая процессы культурной адаптации, которые способствовали формированию новых художественных форм и тем. Такой подход позволяет осмыслить, как международные художественные обмены влияют на развитие искусства, делая его более многообразным и мультикультурным. Этот процесс адаптации и инновации подчеркивает важность культурного диалога и взаимного обогащения в современном мире искусства. Исследование опирается на компаративный анализ произведений искусства и художественных традиций, а также на изучение исторических и культурных контекстов, влияющих на развитие визуального искусства в России и Китае. Научная новизна работы заключается в том, что она раскрывает механизмы культурной интеграции и инновации через призму художественного обмена между Россией и Китаем. Работа детально показывает, как русский реализм не только влиял на китайское искусство, но и способствовал созданию уникальных художественных форм, отражающих современные социальные и культурные запросы, обогащая тем самым глобальное искусственное пространство. Исследование подчеркивает, как слияние русского реализма с китайской традиционной эстетикой обогатило художественные традиции обеих стран, создав новое направление в китайском искусстве. Это направление учитывает глобальные тенденции и локальные культурные ценности, способствуя более глубокому культурному диалогу и взаимопониманию. Результатом стало обогащение обеих культур, что позволило художникам исследовать новые идеи и формы, укрепляя межкультурные связи и расширяя границы искусственного взаимодействия.

Ключевые слова: русский реализм, китайское изобразительное искусство, культурный обмен, социальная критика, гуманистические идеалы, адаптация, инновация, межкультурное взаимодействие, художественные традиции, культурная интеграция

Abstract: This paper examines the impact of Russian realism on Chinese visual art, focusing on how Chinese artists have adapted and reinterpreted Russian aesthetic concepts. The study highlights the role of cross-cultural exchanges in enriching both traditional Chinese art and the broader understanding of realism. Through a detailed analysis, the author explores the reflection of Russian realism's social criticism and humanistic ideals in Chinese artistic practices, and how these influences have fostered new artistic forms and themes within China.The research employs comparative analysis of artworks and artistic traditions alongside historical and cultural contexts of both Russia and China. This approach underscores the importance of international artistic exchanges in creating a more diverse and multicultural art world. The study's novelty lies in uncovering the mechanisms of cultural integration and innovation through artistic exchanges between the two countries, detailing how Russian realism has not only shaped Chinese art but also spurred the creation of unique forms that reflect contemporary societal and cultural demands.Significantly, the fusion of Russian realism and traditional Chinese aesthetics has led to a new artistic direction in China that melds global artistic trends with local cultural values. This synthesis has facilitated deeper cultural dialogues and mutual understanding, enriching the artistic traditions of both Russia and China. Artists have been provided with new opportunities to explore innovative ideas and forms, thus strengthening cross-cultural ties and expanding the boundaries of artistic interaction. The paper emphasizes the transformative power of this artistic merger in enriching the global art space and fostering a more inclusive and varied artistic milieu.

Keywords: Artistic traditions, Intercultural interaction, Innovation, Adaptation, Humanistic ideals, Social criticism, Cultural exchange, Chinese visual art, Russian realism, Cultural integration